Danmartin

Il Concerto

07feb10

Un film incredibile. E’ tale per molti aspetti: assurdità ed emozione su tutti. Radu Mihaileanu, il regista di “Train de vie”, film che ci fecero vedere alle scuole medie e di cui purtroppo non ricordo nulla data l’età di allora, ci porta questa volta alla scoperta della musica e non solo. Questa pellicola ha un grandissimo pregio: ha un inizio ed un finale semplicemente strepitosi. Perchè? Perchè sono accompagnati dalle note del grande compositore russo Tchaikovsky (quello de “Lo schiacchianoci”, così capiscono tutti). Ed è proprio lui, in realtà, il vero protagonista della pellicola. “Il concerto”, tra i meriti che ha, ha sicuramente quello di fare un grande omaggio al compositore appena citato. La storia è quella di Andreï Semoinovitch Filipov, un direttore d’orchestra di fama mondiale che durante un suo concerto viene umiliato di fronte a tutti e costretto ad interrompere il suo concerto per motivi “politici”. Siamo infatti negli anni della Shoah, ed il motivo per cui avviene questa drammatica interruzione è che i musicisti di Filipov sono ebrei. Egli smetterà di dirigere, si sacrificherà per i suoi musicisti, ed è così che trent’anni dopo lo ritroviamo a pulire i bagni del Bolshoi, il teatro in cui lavorava. Ora il maestro può avere la sua rivincita: arriva un fax al direttore del teatro che invita la nuova orchestra (quindi non più quella diretta da Filipov, ovviamente) ad esibirsi nientemeno che a Parigi. Suonare lì è stato da sempre il sogno di Andrei, e allora cosa decide di fare? Trovandosi per caso a pulire l’ufficio del direttore proprio nel momento in cui arriva il fax, egli lo prenderà di nascosto e deciderà di condividere questa folle idea con i suoi ex musicisti. Perchè folle? Per il semplice motivo che l’orchestra di Filipov, egli compreso, non suona da trent’anni. Tutti i musicisti, pur conservando gli strumenti in alcuni casi, hanno cambiato vita, ed hanno dovuto trovarsi un nuovo impiego. Qui entra in gioco l’aspetto più serio ed importante della pellicola: quello dello sterminio degli ebrei, appunto. L’interruzione del Concerto, per Filipov ed i suoi musicisti, è stata l’interruzione della vita. Sono stati strappati dai loro sogni per un’assurda pagina di Storia che tutti conosciamo, di cui non si parlerà mai abbastanza, che non è mai retorica. Il direttore d’orchestra si sente ancora in colpa per aver portato all’impazzimento la sua violinista preferita. E’ una colpa non sua, ma dei potenti che hanno fatto sì che l’orrore contro gli ebrei avesse luogo. Nonostante quello che si potrebbe pensare, è un film in cui si ride molto. Sì, perchè come in “Train de vie”, vengono affrontati gli stessi temi difficili con una forte dose di ironia (non insensibilità o mancanza di rispetto, attenzione!) che rendono la pellicola accessibile a tutti (anche a quelli che: “No no, non lo vado a vedere perchè è troppo serio e drammatico” e bla bla bla). Motivi per andare a vedere “Il Concerto” ce ne sono molti, più o meno importanti: ho già elencato l’inizio e la fine, l’importanza dei temi trattati, ma come non citare la bellissima Mélanie Laurent? L’attrice scoperta da Quentin Tarantino in “Bastardi senza gloria” (ammetto che devo ancora vederlo, ma mi risulta sia così) ha nella storia un ruolo chiave, che porterà grandi sorprese e colpi di scena all’interno della trama (trama che per certi aspetti è riuscita a sorprendere persino me, di solito non facile da stupire in questo senso). E’ stato impressionante vederla nel ruolo della violinista, e mi riferisco specificatamente al finale in cui viene eseguito il tanto rinominato Concerto. La sua bravura nell’imitare i movimenti di una vera musicista e nel lasciarsi totalmente andare le donano una naturalezza che, condita alla straordinaria bellezza, lascia senza fiato. E lascia senza fiato un po’ tutto il film, dopo un finale del genere. Per quanto riguarda i difetti, purtroppo ci sono e neanche trascurabili secondo il mio punto di vista. Parlavo dell’assurdità. Be’, qui è questione di opinioni e di gusti: in un contesto del genere considero l’assurdità di molte situazioni un difetto. Mi riferisco, ad esempio, alla superficialità che pervade un po’ tutta la pellicola nel raccontare l’approccio di Filipov ed i suoi musicisti alla musica. Mi spiego meglio: ad esempio non si vedono mai i vari musicisti fare una prova seria (neanche lo stesso direttore!), viene sempre data un’immagine dell’intera vicenda molto lontana dalla realtà. Non siamo certamente ai livelli di assurdità di “The millionaire”, ma non ci manca moltissimo, ed è inoltre quantomeno “emblematica” l’immagine che viene data della musica. Nonostante questo, “Il Concerto” è comunque da salvare: l’intensità e l’emozione di certi momenti è impagabile e molto rara, vuoi per la bravura dello staff, vuoi per l’accostamento di cinema e musica che da’ sempre buoni frutti se fatto con criterio. Da provare.

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Drag me to hell

05feb10

Non è un film da vedere al cinema, non è un film da vedere la sera al buio: è un bel film horror. Christine Brown è un’impiegata di banca che mira ad una promozione da vicedirettore. Brava e bella ragazza, determinata, un angelo praticamente. Non porta avanti la pratica del “lecchinaggio” con cui invece il suo “rivale” professionale cerca di ottenere il tanto ambito posto. Un giorno, però, la voglia di fare carriera le costerà molto caro: rifiuterà di rinnovare il mutuo ad una vecchia zingara a cui sta per essere tolta la casa. E da qui in poi, il putiferio. La prima cosa che stupisce in “Drag me to hell”, inizialmente, è la quantità di scene “disgustose”: vomito, dentiere in bella vista, e ciò che di peggio si ci può aspettare da una vecchia zingara. Non è sicuramente consigliata la visione durante o appena dopo i pasti, ecco. Superato lo stupore iniziale il disgusto diminuisce (o forse ci si abitua?) e si entra nel vivo della storia. Sì, perchè la vecchia zingara che si vede rifiutato il rinnovo del mutuo non sarà impassibile, ma anzi manderà a Christine una serie di maledizioni che non vanno augurate a nessuno. La Lamia è il demone che cercherà di impossessarsi della ragazza, sottoponendola a tre giorni di assoluta follia e crudeltà, tant’è che tutti la crederanno pazza. La sceneggiatura non è niente di originale: ma d’altronde di cosa si può parlare in un film horror? Qui vediamo il ritorno delle streghe, della magia nera, e non posso non ritornare con la mente a capolavori quali “Suspiria” del nostro Dario Argento. Elementi in comune tra le due pellicole, però, non ce ne sono moltissimi, anzi. Si può solo notare qualche ispirazione che Raimi ha preso da Argento per quanto riguarda la regia, per il resto nulla. “Suspiria” era giocato sulle musiche (splendida colonna sonora dei Goblin), sui sospiri appunto delle streghe, mentre “Drag me to hell” pur facendo un buon uso della parte musicale è votato più al “sobbalzamento dalla sedia”. Musica, musica dolce e lieve, silenzio, demone che appare all’improvviso. Tutto il film è così, va detto. E’ per questo che è stato considerato “horror comico”, e anche se non sono d’accordo con questa definizione, se ci atteniamo puramente a questo aspetto l’etichetta calza eccome. Vogliamo trovare una morale a questa pellicola? Troviamola. Aspetti centrali della storia sono la carriera, il denaro, un certo ambiente “aristocratico”. Pensiamo ai personaggi che sono tutti ricchi, o alla famiglia del ragazzo di Christine che inizialmente non vede di buon occhio la ragazza perchè “viene dalla fattoria”. La morale, che si capirà ovviamente guardando il proseguire della storia ed il finale, è quella che nella vita ci sono cose più importanti della carriera e dei soldi, che non sono obiettivi che vanno raggiunti a tutti i costi. L’aspetto horror, il demone, la zingara, sono tutte componenti che servono a supportare questa tesi. Questo se vogliamo a tutti i costi dare una morale al film, altrimenti la pellicola è godibilissima anche fermandosi al solo aspetto “comico”. Come già detto, uso sapiente delle musiche (molto belle alcune), e aspetti dell’horror classico (spavento improvviso) fanno di questo “Drag me to hell” un buon film. Se poi ci mettiamo il buon bilanciamento da parte del regista dell’aspetto classico dell’horror (quello accennato poc’anzi) e dell’aspetto “moderno” (scene disgustose ed effetti speciali), il risultato è davvero apprezzabile. Non siamo ai livelli del primo Argento o del Carpenter di “Halloween” e “La cosa”, ma dati i tempi va benissimo così.

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Tra le nuvole

25gen10

Le principali qualità di “Tra le nuvole”? E’ un film semplice ed ironico. Ryan Bingham è un uomo “sospeso”, questa è la prima parola che mi viene in mente per descriverlo. E’ un “cacciatore di teste”, viene chiamato dalle aziende per licenziare dipendenti che i boss di quelle aziende non hanno il coraggio di licenziare. Di questi tempi, Ryan ha pane per i suoi denti. Dopo dei simpatici titoli di testa in cui vediamo delle città dall’alto (da un aereo, appunto) si passa subito al succo: un susseguirsi di dipendenti in lacrime, disperati, arrabbiati per aver perso il posto di lavoro. Tutti “consolati” dal signor Bingham. Questo essere umano che ha un compito così ingrato è interpretato da George Clooney. Il celeberrimo attore sfodera una interpretazione impeccabile: mai sopra le righe, mai sottotono, sempre al punto giusto insomma. Interpreta il personaggio in maniera così professionale (ed ironica nelle circostanze extra-lavorative, visto che il film lo è) che fa sembrare molto meno antipatico il suo personaggio. Ryan non ha una casa: vive tra un aeroporto e l’altro, tra una stanza d’albergo e l’altra, questa è la sua vita. Non ha legami, ha una famiglia che non vede mai, una sorella che sta per sposarsi, lui è sempre “in volo”, sia realmente che metaforicamente. Cerca di fuggire dalla realtà spostandosi da un luogo all’altro, viaggiando continuamente. Fa bene? Fa male? Se dovessimo parlare di questo una recensione non basterebbe. A sconvolgere la vita di Bingham ci pensano due donne, Natalie ed Alex: la prima sul piano lavorativo, la seconda su quello sentimentale. Molto simpatici i primi momenti in cui Ryan (un omaggio alla Ryanair? Potrebbe essere) ed Alex si incontrano: i due fanno a gara a chi ha più carte di credito, carte di compagnie aeree che danno privilegi ecc. Perchè, in fondo, il sogno di Bingham è quello di raggiungere dieci milioni di miglia. Sebbene possa sembrare “leggero” o solamente ironico, “Tra le nuvole” tratta invece temi molto più profondi: ad esempio non avevo mai visto l’amore raccontato con tanto realismo in una pellicola. E non parlo della storia tra Ryan ed Alex in particolare, ma dei discorsi che i due e Natalie fanno, mettendo a confronto l’idea di amore che hanno i giovani con quella che hanno le persone in fase più adulta. Io mi rispecchiavo nei discorsi dei due adulti, e dato che si parlava di amore non so quanto sia positivo. Risate, ma anche riflessioni quindi. E’ una commedia di quelle che adoro: battute al vetriolo, volgarità zero, sceneggiatura brillante, recitazione ragguardevole, semplicità ed humour (anche nero). Cose rare, perlomeno è raro che riescano ad essere tutte nella stessa pellicola. A proposito di temi importanti, il regista Jason Reitman è così bravo che ci fa quasi dimenticare che in realtà un tema chiave del film è la crisi economica e tutte le sue conseguenze. Credo che il suo obiettivo l’abbia raggiunto. Se non fosse stato per il protagonista (George Clooney) ed il regista di “Juno”, probabilmente questo piccolo capolavoro in Italia non sarebbe neanche arrivato. Mi ha riportato, per semplicità e genuinità, ai tempi di “10 cose di noi”, un altro gioiellino che qui era quasi introvabile e che ora dopo anni e anni è finalmente uscito in dvd. “Tra le nuvole” invece per fortuna si trova, quindi non lasciatevelo scappare. Stessa morale di “Into the wild”: lì era “La felicità è reale solo se condivisa”, qui è: “La vita è meglio in compagnia”. Perla rara.

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Avatar

21gen10

Partiamo da un dato secondo me molto singolare: milioni di persone in tutto il mondo hanno visto e stanno ancora vedendo in questi giorni un film contro l’umanità, contro loro stessi, contro noi stessi. Hanno fatto sì che “Avatar”, a poco più di un mese dall’uscita in tutto il mondo, guadagnasse l’astronomica cifra di $1,624,059,398. Mancano poco più di 200 milioni di dollari e l’inarrivabile (almeno, fino ad ora, e negli incassi) “Titanic”, dello stesso regista James Cameron peraltro, sarà battuto. Ancora non ho capito in realtà quanto sia costato questo kolossal: prima lessi 200 milioni di dollari, poi 400, ora addirittura 800. Non so, mi viene ironicamente da pensare che prima o poi verrà fuori che è costato più di quanto abbia guadagnato. Scherzi a parte, viene da chiedersi: perchè tutta questa massa di gente a guardare “Avatar”? Essenzialmente per due ragioni: pubblicità e 3D. L’attesa riservata a questa pellicola è stata fin da subito altissima, perfino in Italia da mesi nei blog specializzati si sentiva il fermento dei più appassionati. Che poi, noi italiani, siamo gli ultimi a vederlo. Perchè? Perchè nel resto del mondo il film è uscito la settimana prima di Natale che qui, da tradizione, è riservata ai cinepanettoni. Si poteva correre il rischio di togliere pubblico a quelle grandi opere della cinematografia (ironicamente parlando, è ovvio)? No, e quindi eccoci qui, a parlare di questa pellicola molti giorni dopo rispetto agli altri. Siamo pur sempre italiani, dobbiamo farci riconoscere. Veniamo alla domanda chiave: com’è il 3D? Io sono andato a vedere “Avatar” esclusivamente per quello. Avevo due buoni gratis da spendere e allora ho voluto sperimentare questa nuova tecnologia. Va specificata una cosa, esistono ben tre tipi di 3D attualmente in Italia: Xpand3D, RealD e Dolby 3D. Da quel che ho capito il primo tipo è il migliore, e l’ultimo è il peggiore. Io ho avuto la fortuna di poter andare in una sala Xpand 3D quindi, se avete possibilità di scelta, optate per questa tecnologia o al massimo per il RealD. Una cosa buona, e non so se valga per tutti i cinema o è stata solo una coincidenza fortunata: non viene proiettata pubblicità prima del film, solo il trailer di “Alice nel paese delle meraviglie” in 3D di Tim Burton, in uscita a Marzo. Quindi, la prima cosa che ho visto in 3D è stato proprio questo trailer. Che dire, il 3D non può essere raccontato, va visto per rendersi conto delle sue potenzialità. Potrei dire: “Si vedono le immagini in rilievo e c’è più profondità”, ma non basterebbe a trasmettere l’adrenalina e l’immedesimazione che questa tecnologia offre. Si apre un mondo nuovo, cinematograficamente parlando, che offre davvero possibilità prima d’ora inimmaginabili. Unica controindicazione: è vero, può provocare mal di testa e bruciore agli occhi, ma ne vale la pena. Va preso a piccole dosi, è impensabile secondo me il 3D domestico di cui già si parla. Quello che mi chiedevo prima di entrare in sala è se “Avatar” fosse tutta tecnologia e zero emozioni, o riuscisse a bilanciare bene le due componenti. Inizialmente ero molto scettico. Sì, per carità, grandi effetti speciali, cose mai viste, bla bla bla, ma non vedevo altro. E invece, con mio grande stupore, c’è stata la cosa che più apprezzo in una pellicola: il crescendo. A poco a poco, il film ha cominciato a piacermi, ho cominciato ad apprezzarne gli aspetti più profondi della storia, a non farmi incantare dal 3D e basta. La critica ha da sempre detto che la sceneggiatura è prevedibile: vero. Molti dicono che sia una copia di “Pocahontas” in chiave moderna, io, non avendolo visto, non posso fare paragoni. Posso però dire che, nonostante questa “prevedibilità” tanto decantata, la pellicola ha un forte e chiaro messaggio: siamo la razza peggiore. Gli umani vengono giustamente descritti come esseri mossi solo dal denaro, dalla voglia di ottenere ciò che vogliono fregandosene di tutto il resto. E’ la verità, c’è poco da fare, ed il fatto che milioni di persone vedendo questa pellicola possano riflettere su questo fatto mi piace molto. “Avatar” non cambierà il mondo ovviamente, ma la pulce nell’orecchio la mette intanto. E non è poco, considerando che è un kolossal a farlo. Certo, non siamo di fronte ad un film d’autore, e quindi chi si aspetta che questa riflessione verrà approfondita attentamente e con originalità nella storia resterà deluso. Però, per quanto mi riguarda, è già un passo avanti rispetto a kolossal senza senso. Questo film ha già vinto 2 Golden Globes: miglior film drammatico e miglior regia. Lo aspetta ora una marcia trionfale verso gli Oscar, dove sicuramente farà incetta di candidature (e statuette?). E’ difficile paragonare “Avatar” alle altre pellicole, ed anche in sede di Oscar la cosa diventa secondo me imbarazzante. Il 3D rischia di far impazzire tutti, esalta moltissimo la pellicola e sicuramente la fa apparire anche migliore di quello che è. Mio malgrado, so già che premi che meritavano altre pellicole verranno dati ad “Avatar”. Funziona così, purtroppo, ma c’è da dire che dopo lo scempio dello scorso anno con 8 immeritati Oscar dati ad un film di mediocre qualità quale “The millionaire”, ormai dall’Academy mi aspetto di tutto. E poi, va reso atto a James Cameron di aver realizzato qualcosa senza precedenti, qualcosa di mostruosamente straordinario, una pellicola che tecnologicamente è una linea di demarcazione tra il prima ed il dopo. “Avatar” è potente (checchè ne dica qualche critico), trascinante, adrenalinico, riesce a combinare bene spettacolarità ed emozioni. Va visto assolutamente, sia per il 3D, sia perchè, e non me lo aspettavo proprio, è un bel film. Storia del cinema, in ogni caso.

-Jake Sully (Sam Worthington):

Manderanno un messaggio per dirci che loro possono prendersi tutto quello che vogliono ma, noi manderemo il nostro messaggio… Questa, questa è la nostra terra!

- Col. Quaritch (Stephen Lang):

Signore e Signori, non siete più in Kansas…Siete su Pandora!

- Jake Sully (Sam Worthington):

Si vive solo due volte. Se diventi qualcuno nella tua vita allora vuol dire che stai vivendo per la seconda volta.

- Jake Sully (Sam Worthington):

È fantastico!

- Jake Sully (Sam Worthington):

A volte tutta la vita si riduce a unico, folle gesto.

- Jake Sully (Sam Worthington):

Adesso mi sembra questa la realtà, e il mondo reale la fantasia.

- Jake Sully (Sam Worthington):

Ero un guerriero che sognava di portare la pace… ma prima o poi bisogna svegliarsi.

- Jake Sully (Sam Worthington):

Il più forte mangia il più debole, e nessuno muove un dito.

- La dottoressa Grace Augustine (Sigourney Weaver):

Ci pisciano addosso e non ci fanno nemmeno la cortesia di chiamarla pioggia!

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La prima cosa bella

17gen10

E’ la prima cosa bella del cinema italiano degli ultimi anni. O meglio, la più bella. Paolo Virzì ci racconta la storia di una famiglia livornese come nessun’altro in Italia, perlomeno in questo momento, sa fare. Giuseppe Tornatore ci ha provato con il suo “Baarìa”, che forse finirà nella cinquina finale degli Oscar, con un risultato molto deludente. Questa è tutta un’altra musica. Se nel film siciliano si prestava attenzione ai luoghi, alla ricostruzione storica, alle atmosfere, nella controparte livornese Virzì oltre a questi elementi sopperisce alle grandi mancanze del film di “Peppuccio” Tornatore: la sceneggiatura, i personaggi. Sì, perchè se quello era un gran calderone di scenette (neanche divertenti, a dir la verità), personaggi/macchietta, sequenze che non c’entravano niente l’una con l’altra e buchi di sceneggiatura pazzeschi, la pellicola in esame è tutto un susseguirsi di risate, lacrime, riflessioni. Virzì ha il senso dell’umorismo che Tornatore non ha avuto, ha il fiuto per gli attori che Tornatore non ha avuto, ha una capacità di “scrittura” (insieme ad altri due sceneggiatori) che Tornatore non ha avuto. E’ un paragone che ho fatto subito quello tra le due pellicole: vuoi perchè sono entrambe italiane, vuoi perchè una delle due è candidata immeritatamente all’Oscar, vuoi per dei punti in comune simili nella storia. Il grande passo falso di “Baarìa” è stato quello di voler raccontare un periodo storico così ampio (un secolo, praticamente), di voler raccontare il periodo storico più che i personaggi che ne erano protagonisti (una famiglia nell’arco di tre generazioni), e di raccontare il tutto, francamente, male. Virzì racconta la storia in una maniera molto più “onesta”, semplice pur con tutta la complessità di situazioni, condita da tanta ma tanta ironia (per stemperare i momenti più drammatici) e da vero grande regista qual è. Si parla della famiglia Michelucci, composta da: mamma Anna, papà Mario e i due figli Bruno e Valeria, più tutti i personaggi di contorno ovviamente. Il film è, come già detto, la storia di questa famiglia: dagli anni ‘70 ai giorni nostri. Figli cresciuti come pacchi sbattuti da una parte e dall’altra, genitori che non hanno un buonissimo rapporto, zia “nemica” della famiglia ecc. Gli attori e la loro splendida interpretazione valgono da soli il prezzo del biglietto: Valerio Mastandrea su tutti, che si dimostra ancora una volta uno dei più bravi attori italiani. Il suo personaggio stralunato, testardo, fuori dal mondo come quasi tutti gli altri personaggi interpretati dall’attore, fa sempre sorridere e riflettere. Poi abbiamo il personaggio di Anna che è interpretato da Micaela Ramazzotti nella parte da giovane e da Stefania Sandrelli in quello in età più avanzata. Sono entrambe bravissime, secondo me più la prima che ha anche più spazio durante la pellicola. Una sorpresa, per quanto mi riguarda, la sua interpretazione da donna esuberante, egocentrica, “generosa” con gli uomini e bellissima. Caratteristiche che rimangono ovviamente intatte nell’interpretazione fornita al personaggio da Stefania Sandrelli nella parte finale della vita, in cui, come dice il figlio Bruno, non sembra proprio che sia una malata terminale. Insomma, la gioia di vivere sicuramente non le è mai mancata. Valeria (interpretata da Claudia Pandolfi, apprezzabile la sua interpretazione) è la sorellina più piccola, quella più “ben voluta” dalla madre (ma neanche tanto, in fondo) ed “odiata” dal fratello più grande Bruno. Stupisce come quest’ultimo, pur sembrando stralunato, distratto, ed in conflitto perenne con tutto e tutti da sempre, sia quello che ha più ricordi di tutti, persino più della sorella stessa. Bruno è infelice, alla costante ricerca di droga per cercare di colmare il vuoto che ha dentro. E’ carattere, ci è nato così, e sicuramente la difficile storia della sua famiglia non lo ha aiutato. Avrà una sua piccola grande rivincita nel finale, con la compagna con cui ha una storia tormentata, in una bellissima scena che vale da sola la visione del film. Per quanto riguarda Valeria, be’, lei viene mostrata più da piccola che da grande. In età adulta la vediamo vicino alla madre, ma si ha l’impressione che il regista (giustamente, secondo me) si sia voluto più soffermare sul personaggio di Bruno (perchè più grande? Perchè più “complicato”?) che su quello della sorella minore. Tante cose non ho detto e tante cose potrei ancora dire, perchè “La prima cosa bella” è un calderone di emozioni, sentimenti, ed anche risate. Sì, perchè non è scontato. L’errore che non bisogna fare è quello di considerare questa pellicola “seria” (in senso negativo), drammatica, da pianto, escludendone quindi la visione per paura di rovinarsi la serata. Non è così, anzi, è il fior fiore della Commedia Italiana. E’ la Commedia Italiana. Come si dice nel trailer: “Per raccontare la storia della mia famiglia ci vorrebbe uno di quei filmoni di una volta”. Ebbene, eccolo.

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Welcome

29dic09

Quando si tratta di ingiustizie, tutto il mondo è paese. Soprattutto se si parla di razzismo. Philippe Lioret ci porta nella Francia razzista (per fortuna ce n’è anche una non razzista, dati i 10 milioni di euro di incasso in patria) con un film duro, ma necessario. Titolo tristemente ironico, “Welcome”. Peccato che invece i clandestini, in Francia in questo caso, tutto siano tranne che benvenuti. A Calais, nello specifico, dato che è il luogo dove è ambientato il film, chi aiuta un clandestino rischia cinque anni di reclusione. Ma veniamo alla storia. Bilal (soprannominato Bazda, il corridore) è un ragazzo iracheno di 17 anni arrivato in Francia dopo essersi fatto 4000 km a piedi. Vuole andare in Inghilterra, non per giocare nel Manchester United come inizialmente racconta a Simon, ma per rivedere Mina, il suo grande amore. Simon è il protagonista, insieme a Bilal, appunto, della storia. E’ il classico cinquantenne in crisi esistenziale, è un istruttore di nuoto ed è stato appena lasciato dalla moglie poiché troppo “disinteressato” alle cose serie. Riuscirà a stupirla (si chiama Marion, ed è una bellissima professoressa di inglese) prendendo a cuore il caso di Bilal. Perchè il punto è questo: Bazda come pensa di arrivare in Inghilterra? Il ragazzo vuole arrivarci a nuoto, attraverso La Manica. Ha sperimentato che viaggiare nei grandi tir è impossibile fisicamente, causa controlli troppo severi (l’inizio della pellicola lo mostra benissimo), ma non vuole rinunciare al suo obiettivo. La cosa che turba di più di questa storia è, come già detto all’inizio, il razzismo, un profondo razzismo. Sia delle autorità, sia dei cittadini comuni. Una delle scene più importanti e significative è quella che si svolge in un supermercato. Simon e Marion (che è una volontaria, tra l’altro) si dirigono verso l’uscita del market quando quest’ultima vede le guardie del negozio che bloccano all’entrata degli stranieri. “Perchè?” si chiede lei, “perchè non li fate entrare?”. La guardia le risponde che “danno fastidio ai clienti”, e quando Marion inizia a chiedere ai clienti del supermercato se a loro diano veramente fastidio non ha risposta, ma viene allontanata. Hanno tutti paura, chi della legge, chi degli stranieri. Simon queste paura le supera, e sorprendentemente (dato come si pone all’inizio) ospita Bilal a casa sua. Sa benissimo che rischia di finire in galera, ma lo fa lo stesso, e non per farsi vedere bene agli occhi della moglie, ma semplicemente perchè è giusto così. Inoltre, essendo istruttore di nuoto, asseconda Bilal insegnandogli a nuotare a stile libero. Il ragazzo è testardo (determinato, più che altro) e nonostante Simon cerchi di fargli capire che arrivare in Inghilterra a nuoto è praticamente impossibile, si deve rassegnare, e mettere a disposizione di Bazda la sua esperienza. Un grande pregio di “Welcome” è quello di raccontare una storia senza troppa enfasi, con chiarezza, non giocando solo sull’effetto “commozione”, ma piuttosto sul fattore “riflessione”. E’ una pellicola che va fatta vedere, perchè insegna molto. Insegna che i grandi discorsi degli uomini, in fondo, si ripercuotono sulle vite dei singoli, tutti i giorni. Quella di Bazda è una piccola storia, ma ne rappresenta tante, ed il suo significato è sotto gli occhi di tutti. Aspetti tecnici: colori e fotografia molto freddi, rappresentano sia la tristezza della storia che il luogo in cui è ambientato; attori bravissimi (Simon e Bilal, ovvero Vincent Lindon e Firat Ayverdi) che interpretano perfettamente la brutta situazione dei loro personaggi; musiche appropriate e, in alcuni frangenti, suggestive; sceneggiatura non retorica, non “piagnona”, piuttosto asciutta e dura e che impone una profonda riflessione. Il “Welcome” del titolo è benissimo sintetizzato in una scena: un vicino di Simon si arrabbia con quest’ultimo perchè fa entrare in casa dei clandestini. Poco dopo la telecamera si sofferma sul tappetino posto fuori dall’abitazione di questo vicino: riporta la scritta “Welcome”, “Benvenuti”. Bella ipocrisia.

Consigliatissimo a tutti, forse in special modo ai razzisti, perchè è una storia che come già detto fa molto riflettere. Un film che parla di amore in tutte le sue declinazioni (tra ragazzo e ragazza, tra moglie e marito, tra padre e figlio, tra persone di diverse nazionalità e culture). In Francia è riuscito a scuotere le coscienze (e come già detto i 10 milioni di incasso lo dimostrano) chissà da noi, dove l’opinione pubblica non è così viva per le cose serie…

Simon: “ Lui ha fatto 4000 km a piedi per rivedere la sua ragazza, tu sei andata via e io non ho nemmeno attraversato la strada per fermarti”.

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Io & Marilyn

19dic09

Leonardo Pieraccioni, secondo me, è sottovalutato. Le sue commedie, spesso giudicate dai critici in egual modo rispetto a schifezza pura quale “Natale a….” (i film con Christian De Sica), possono stupire. Questo è uno dei casi appena citati. Sono entrato nella sala cinematografica senza grandi aspettative (ma sì, è di Pieraccioni ma è pur sempre il classico film di Natale no?) e invece ne sono uscito soddisfatto. La storia è quella di Gualtiero Marchesi (“come il cuoco ma non sono il cuoco”), un manutentore di piscine et simili. Con degli amici, ed una vicina di casa che si crede medium, organizza una seduta spiritica in casa. Quello che Gualtiero non si aspetta è che Marilyn Monroe, evocata nella seduta, appaia davvero. Da qui inizierà a vivere con questo vero e proprio fantasma, con tutti i vantaggi e svantaggi che ne derivano. Lo svantaggio più grande, ovviamente, è che tutti prendono Gualtiero per matto: si recherà ad un Centro di Igiene Mentale (dove troverà un professore interpretato addirittura da Francesco Guccini) e conoscerà Arnolfo, uno che matto lo è davvero. L’obiettivo di Gualtiero, grazie alla collaborazione del fantasma di Marilyn, è quello di rinconquistare l’ex moglie da cui ha avuto una figlia. I personaggi, anche quelli secondari, nelle pellicole di Pieraccioni sono tutti molto importanti. Si va dal maresciallo dei Carabinieri interpretato da Francesco Pannofino (il “Sonsei” dei Cesaroni, per capirci) all’antipaticissimo Biagio Izzo (la mia avversione verso di lui nel mio caso è indipendente dal personaggio che interpreta). Poi troviamo un ottimo Rocco Papaleo (credibilissimo nel ruolo del matto), e la coppia gay interpretata da Massimo Ceccherini e Luca Laurenti (che avrebbero meritato più spazio, e svolgono il loro compitino). Se la prima parte del film è fiacca e stupida, causa anche battute scontatissime e che non fanno ridere, dalla parte centrale in poi la pellicola diventa dignitosa. Grande spazio ai dialetti con Pieraccioni che parla un fiorentino non tanto sporco e comprensibile, e Biagio Izzo che, invece, parla un napoletano comprensibile solo ai napoletani stessi. Simpatica, in alcune circostanze, l’ambientazione circense: una delle scene più divertenti è sicuramente quella dello scoppio della bombola di elio. Marcavo poc’anzi questa distinzione tra prima e seconda parte perchè, con il proseguire della pellicola, cambia anche un po’ il tono del film. La seconda parte è infatti più “seria” (le virgolette sono d’obbligo), o meglio più votata alla riflessione ed all’evoluzione dei personaggi. Gualtiero dovrà dimostrare alla propria figlia di essere un buon padre (e lo dimostra con una scena molto intensa in cui spiega alla ragazza che il vero coraggio è quello di essere normali, di svegliarsi tutte le mattine e andare a lavorare per mantenere la famiglia) e non solo. Quello di Marilyn, lo si capisce un po’ già da questo commento, è un pretesto per attirare pubblico e per costruire una storia attorno al personaggio della celebre diva, o meglio per farle svolgere il ruolo che ha avuto Eric Cantona nel film “Il mio amico Eric” (con le dovute distinzioni, ovviamente). Marilyn è “l’aiutante”, molto semplicemente. “Io & Marilyn” è il film di Natale, il film da andare a vedere, ora, subito, adesso al cinema se volete anche voi contrastare l’avanzata dei “Natale a…”. Ed è anche, soprattutto, un bel modo per trascorrere due ore (pubblicità prima della pellicola inclusa, se optate per un multisala) spensierate. Non un capolavoro, ma neanche un film da una stellina su cinque. E’ un buon compromesso, tutto sommato.

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Into the wild – Nelle terre selvagge

10dic09

Tra le tante recensioni dedicate a questo film ne ho trovata una che recita così: “Ci sono libri, dischi, film che ti cambiano la vita. Arrivano in un certo momento e ti parlano con una voce inconfondibile e perentoria.”. Con “Into the wild”, questo, può accadere.

La storia è quella, vera, di Christopher McCandless: un ragazzo americano che in apparenza ha tutto. Figlio di una famiglia borghese, si è appena laureato e di fronte a sé avrebbe una vita agiata e tranquilla, di successo. Avrebbe, perchè il condizionale è d’obbligo. Infatti, Chris decide di buttare all’aria tutto e ripartire da zero. Come? Devolve i soldi della sua borsa di studio in beneficienza, brucia carte di credito e tessere sanitarie, rifiuta una macchina nuova (in una bellissima scena all’inizio della pellicola, dove il protagonista sottolinea che non vuole cose materiali, e provoca un litigio in famiglia). Parte, da solo, verso l’Alaska, passando per posti meravigliosi, incantevoli, solitari. Chris è un personaggio alquanto complesso: ognuno di noi potrebbe scrivere un libro su di lui (a proposito: questa pellicola è ispirata alla storia vera dell’omonimo personaggio narrata nel libro “Nelle terre estreme” di Jon Krakauer). E’ complesso perchè pone in essere una serie di riflessioni alle quali non verremmo mai a capo: cos’è l’uomo? Cos’è la natura? Qual è il loro rapporto? La società di oggi ci piace? Sean Penn (regista, in questo caso, e non attore) riesce benissimo a portare queste domande sullo schermo, grazie ad una sceneggiatura ed una regia nella quale la Natura è sempre in primo piano. Presentandolo in conferenza stampa, il regista ha dichiarato: “Non voglio dire ai giovani che debbano comportarsi come lui, ma sicuramente devono far battere i loro cuori più velocemente”. Un invito a darsi una mossa, a liberarsi da questa società malata e basata sul consumismo. Inoltre, alla domanda di un giornalista che gli chiedeva perchè fosse così attivo politicamente (parlo sempre del regista) , egli ha risposto: “Perchè penso che sia necessario cercare di non cedere ciò che sei, non farti rubare giorno per giorno la tua personalità”. In molti dovremmo prendere esempio da lui. I motivi più “concreti” per i quali Christopher ha fatto la scelta così drastica di cambiare vita vengono man mano snocciolati durante la pellicola: genitori che non sono così bravi ed ammirevoli come sembra, ricerca di sé stesso, fuga da una società basata sul consumismo, spirito di avventura. Il protagonista, nel suo lungo (più di 2 anni) e difficoltoso cammino conoscerà persone straordinarie come la coppia hippie, la giovanissima e bellissima ragazza interpretata da Kristen Stewart (aiuto, è quella di “Twilight”!!!) cotta di lui e l’anziano uomo solitario che in Chris vede un nipote (e invece la coppia di hippie un figlio). Fa riflettere il fatto che questi personaggi di contorno cerchino un legame affettivo che non hanno o hanno perso, mentre invece il protagonista che legami affettivi ne aveva li ha abbandonati. Di legame c’è quello, fortissimo, con la sorella Carine, che è l’unica persona che conosce e riesce a capire Christopher. Lei si chiede (e lo fa capire a noi, attraverso la sua voce narrante che accompagna tutta la pellicola) perchè non telefoni, perchè non si faccia sentire e non abbia voglia di risentire la sua voce, perchè non dia segni di vita. Alexander Supertramp (il finto nome che il protagonista si affibbia una volta partito) interrompe i contatti con tutto e tutti. Niente telefono, niente soldi, niente amicizie, niente familiari. Ma anche e soprattutto niente alcool, niente droga, niente sesso, cose di cui una parte dei giovani di oggi non riuscirebbe a fare a meno neanche per un giorno. Alex (o Chris, fate voi) è una persona fragile? In una scena dice: “La fragilità del cristallo non è una debolezza, ma una raffinatezza”. Può essere considerato fragile perchè non ha sopportato il peso della società, della sua vita, della cultura occidentale, ma non può non essere considerato coraggioso perchè è riuscito a lasciare tutto e partire, ricominciando da zero. Quattro capitoli suddividono l’avventura di Chris, una suddivisione che mi ricorda quella di “2001: odissea nello spazio” (altri ambiti, altre circostanze, ovviamente). Capitoli che ci portano verso una crescita ed il raggiungimento degli obiettivi che il protagonista si era prefissato. Parlare di “Into the wild” in poche righe, probabilmente lo avrete capito, non è cosa facile e, secondo me, possibile. E’ talmente esistenziale l’argomento della pellicola che, per farsi un’opinione, va visto e discusso a lungo. Quello su cui mi posso soffermare, oltre a quanto già fatto con la regia e la sceneggiatura, sono altri aspetti “cinematografici”. Innanzitutto la recitazione, gli attori. Emile Hirsch interpreta Chris/Alex, in maniera incredibile. Una immedesimazione totale (compresa la perdita di peso non di poco conto), una forza ed un’energia sprigionate per cui avrebbe dovuto vincere l’Oscar (ma sappiamo che spesso ad essere premiati sono i film che non se lo meritano, vedi “The millionaire”). E poi Hal Holbrook (l’anziano solitario della fine della pellicola), che una nomination all’Oscar l’ha ottenuta, ci delizia con una interpretazione paterna davvero commovente. Altra componente molto importante e presente sono le musiche: i testi delle canzoni sono così belli ed interessanti che ne viene fornita addirittura una traduzione a schermo. Una pratica che andrebbe incentivata. Se a qualcuno potrebbe ancora sembrare che “Into the wild” sia una passeggiata di salute, be’, lo dico, non è affatto così. Le quasi due ore e mezza di pellicola sono accompagnate spesso da lacrime ed emozioni, ed anche dopo aver visto la pellicola non potrete non continuare la riflessione che il film pone in essere. Io, che l’ho visto da due giorni o forse più, ancora non riesco a togliermi la storia di Christopher dalla mente (e poi l’Alaska, il Magic Bus…). E’ duro, ma va visto. Il cinema è anche questo, per fortuna.